今天跟娟礽吃飯時閒聊到之前采風一團來北藝大的巡迴演出，講到一些曲目的問題，因為在之前的巡演裡他們有介紹到一些改編的樂曲，比如民謠、兒歌或西洋樂曲等，希望拉近聽眾與他們的距離，並且認識那些樂器。
然而我卻提出質疑說：「那樣的曲目究竟是把我們的距離拉近了，還是拉遠了呢？」當然，我給的理由是：當聽到一些中不中、西不西、編曲技術又平平的曲目時，感覺既無法表現出那些樂器的特色，曲子本身又無法吸引人──這樣的樂種要如何推廣及生存？
我不認為自己是「專搞奇怪現代音樂」的人，但我的耳朵著實很難接受傳統樂器演調性音樂。──要知道中國樂器的製作並非十二平均律，硬要演奏調性功能和聲，還真的很噁心，再怎麼做也不會比西洋樂器好聽。
若想讓那些所謂”國樂”的曲目脫離”國民樂派”(Nationalism)的模式，有些觀念必須要更新，當然也或許跟當今的文化政策有些關係。畢竟音樂就是音樂，當它們成為樣本化的商品時也就等於是死了，我們可以擁有傳統但是必須不斷進化、發展。
我們的音樂仍有很長的路要走。
愈理性的創作行為，愈能寫出潛意識情感流露的作品。
愈感性地試圖在作品中表達什麼，作品便愈不會說話。
今天放了颱風假，獨自在住處聽著Chopin的音樂，一面做著作曲理論的作業，頓時想起一句樸實壯闊的詩：大風起兮雲飛揚….
總覺得有風有雨的日子很適合Chopin的音樂，適合沉思、跟著音樂些許地投入與起伏，這樣的聆聽方式不需要太多經驗與知識，因此我說那是「雅俗共賞的音 樂」。也許是從小的教育教我們學習調性，使耳朵原本就習慣那些聲響，因此若將來我自己有小孩，也許應該從幼教啟蒙便教12音音樂試試看，他們能否就此將 Schoelberg, Webern等人的作品哼唱得琅琅上口？
風雨淒淒，雞鳴不已。未見君子，云胡以瘳？
其實，我對於這個詞彙抱持著相當大的存疑。
作曲技術需要學習與練習，但是要如何啟蒙呢？從和聲與曲式教起，套了公式與理論，就叫做會作曲了嗎？我總以為，若真的要啟蒙作曲，真正該學習的祇有記譜法而已，學會了畫豆芽菜並且畫出東西來，便會作曲了。
對我而言，我並不記得自己什麼時候學會作曲，打從我有記憶以來，似乎在學會畫豆芽菜及彈琴之後，便能夠創作自己想要的音樂了。我國三開始學習「理論作 曲」，但老師充其量不過是教教和聲學與鍵盤和聲，以準備升學考試為主；高中一直都主修作曲，但跟的老師並不能算是我的啟蒙老師。
噢，在歷史上的啟蒙運動叫做「Enlightenment」，意謂著「啟發」、「開化」等，若是在技術與寫作經驗上，凡是學習都有功勞；若是在音樂本身及美感經驗方面，那麼真正啟蒙我的，是時間。
但當然不可否認，我有從我的老師們身上學到一些東西。
讓寫作技巧缺點無所遁形的一種形式。
耳朵好壞、和聲學對位法學活的或死的、中文造詣如何、音樂風格與寫作技術有沒消化、對文化與歷史的思考認知有多少、理念實踐的可行度高低….也許器樂曲還能用符號形狀騙人，遇到合唱作品就祇好再見囉！
人聲音域及音感等多方面的限制，更突顯了作曲家必須懂得掌握idea與presentation的平衡，一味追求演出效果或天馬行空的，都勢必不行。所以合唱音樂當然不容易寫作。
上課時教授說，了解樂曲的寫作技術不代表知道怎麼詮釋音樂，基本上詮釋音樂所要參照的不祇是技巧層面的問題，而包含整個歷史及時代的認知，我們以後世的角度來看待當時寫作的時空背景、技術與態度，而以我們的方法來詮釋。
不過，究竟在演奏詮釋樂曲時該怎麼做呢？
我在練Scriabin Sonata 10，那首自己分析過的樂曲，因此我對它的形式及素材組成是最清楚不過，但是若祇將那些譜面上的東西彈出來，不能算是詮釋Scriabin的音樂。當然我 會有自己對於音樂的感覺與聯想，但倘若投入太多自己的情感，也同樣不能夠算是正確的詮釋。
所以詮釋到底是什麼，我依然不懂。在我了解什麼是詮釋之前，我不可能成為一個演奏家，因為我根本不知道自己所演奏的是什麼音樂。
譜上所有的東西加在一起，就會構成音樂嗎？
音樂的組成除了那些表面能夠分析出來的，還有沒有？
創作不需要立志，我甚至不敢說自己寫詩是種「創作」，這個用詞太冒險。
姑且讓我稱它為「寫作」好了，比較心安理得。
至少這樣的寫作，無論是新詩或古典詩體裁，在寫的時候應該先考慮到原創性為何，以及它所要表達的中心思想，與背後支持的美學觀點。這個說法看似嚴肅，但我認為詩人本身的定位很重要，並且我贊成所謂的「內容決定形式」論，文字創作多少會符合某種程度上的情感美學。
對文字的掌控技巧會影響詩作本身的呈現，包括深度及詩趣等，論語有言道：「質勝文則也，文勝質則史。」便意謂著文筆(即用字遣詞與結構鋪陳)與內容思維兩 者不可缺其一。再者，寫詩最忌諱陳腔濫調、拾人牙慧，因此除非不失趣味之必要引用手法，應該盡量避免透過文字傳達出對前人作品之
刻板印象，用字須精煉並跳脫某種程度的主觀，如此方能使情感本質透過詩的語言客觀再現，而不流於情緒上的自言自語、我行我素。
而之所以成為詩，必定需要「詩趣」之存在，以及音樂性。詩有韻律、節奏與結構，這並非古典詩之專利，五四運動之後白話詩的解放便如當代音樂般，具有文化歷史上的傳承必然性。若要探討分析其中關係，則必先站在詩人的角度觀之。
縱觀許多網上詩作，的確有部分近似於「心情隨筆」或帶了濃濃的「布袋戲味」，個人紓發寫作之事我不予置評，祇願有心創作的朋友們認真思考我上面所說的「原創性」、「技巧」與「詩趣」之問題。
寫詩與作曲是很相近的，跟做菜一樣；
讀詩跟聽音樂也是相近的，如同品嚐美食。
最近終於讀完了楊牧「一首詩的完成」，裡面用書簡的形式來論述對於寫詩的一些概念，以及許多相關課題的探討。詩裡面必須有音樂性，那麼音樂裡面是不是應該也有詩性呢？
也許不是每首音樂作品都該如此，但是一件好的藝術作品總能用不同的角度來看待。純粹的音樂是可以很純粹，不過當分析完了作品便覽盡了，藝術也就死了。音樂作品必須是件有機體，有它之所以組織存在的必然性，以及內在的生命與靈魂。
詩也是一樣。
那些沒有顧慮這些問題純靠靈感寫成的詩作，跟沒學過理論隨心情寫成自以為是創作的小品音樂沒什麼兩樣，一點也不耐人尋味。這樣的作品網路上俯拾皆是。
Chen-Hui Jen, Composer 